D'autres raisons peuvent vous pousser à louer un studio comme par exemple le besoin d'essayer de nouveaux arrangements, la curiosité, la présence d'un avis extérieur (l'ingé-son), etc... Mais en fait, ces raisons sont rarement suffisantes car la location d'un studio coûte tout de même assez cher, même si les tarifs actuels n'ont plus rien à voir avec ce qui se pratiquait il y a encore une vingtaine d'années.

Vous l'aurez compris, pour rentabiliser la location d'un studio d'enregistrement il va vous falloir un minimum de préparation. Mais tout d'abord, voyons un peu ce qu'est réellement un studio d'enregistrement.

Un studio d'enregistrement c'est quoi ?

Un studio d'enregistrement est un endroit spécialement prévu pour enregistrer de l'audio, musique ou autre. (sonorisation de film, doublage, radio, etc...). C'est un milieu protégé des bruits extérieurs, traité acoustiquement pour que le son soit le plus agréable possible et équipé d'un système de captation le plus fidèle possible au son naturel (microphones, convertisseurs analogique/numérique, etc...) ou pouvant apporter un "plus" dans le cas par exemple de préamplis ou micros à lampe, compresseurs, equaliseurs, magnétos à bande, consoles analogiques, etc...Mais dans tous les cas, c'est un endroit privilégié dans lequel on ne fait pas le même travail que sur scène. Pas du tout.

Comment travaille-t-on en studio ?

En studio actuellement et pour la musique en particulier, on travaille en général en multipistes. C'est à dire que chaque élément de l'orchestration ou du groupe va être enregistré sur une "piste" indépendante des autres. Par exemple pour un groupe de rock, il y aura une piste pour la guitare, voire plusieurs pistes pour plusieurs guitares, une pour la basse, une pour le chant, et pour la batterie à peu près autant de pistes que d'éléments dans le kit. S'il y a des choeurs, et bien on va enregistrer les choeurs sur autant de pistes que de voix ou encore sur une piste stéréo à part. C'est aussi ce que l'on fait dans le cas de concerts live pour peu que la sonorisation soit conséquente mais dans le cas du studio, ce procédé va être enregistré. Cela comporte l'avantage de pouvoir intervenir "après-coup" sur n'importe quelle piste pour changer le volume, l'équalisation (graves-médiums-aigus), rajouter des effets de réverb, d'écho, etc...Ou même refaire une piste indépendemment des autres. Par exemple, une erreur d'interprétation sur une guitare ou un défaut de mise en place peut facilement être corrigé en réenregistrant la partie, voire juste le petit bout qui pose problème. Et je ne parle pas des possibilités du copier-coller avec le numérique, les possibilités sont infinies. Bien sûr, cela prend du temps. Le mieux est encore de réussir du 1er coup n'est-ce pas ?

Sachez que les guitares électriques seront en général reprises par micro à l'ampli mais la basse pas forcément. On gagne en clarté et en précision à reprendre la basse en direct mais on perd un peu de la profondeur de l'ampli. Alors on peut enregistrer la basse sur 2 pistes, une en direct et une par micro à l'ampli, pistes que l'on va mélanger par la suite selon le son que l'on recherche. Les claviers numériques, synthés, pianos et autres sont repris en direct mais les guitares sèches électro-acoustiques gagnent à être reprises par micro, la prise directe servant pour le live. (Comme la guitare sèche n'a pas un gros volume comparé à une batterie ou une guitare électrique, si le studio ne dispose pas d'une cabine séparée pour elle, il faudra la réenregistrer par la suite en re-recording)

Les différences avec le "live"

En studio, on entend et on écoute chaque chose dans le plus petit détail. Contrairement au live, on n'est pas dans l'instantanéité mais dans la profondeur, la réflexion et la durée. C'est la grande différence et beaucoup de musiciens surtout chez les novices, tentent de retrouver en studio les sensations du live. Le travail en studio est très particulier, il peut être très technique. On est isolé, sans public pour se faire porter, il faut aller chercher en soi les ressources. La grande difficulté va être de recréer pour l'auditeur une sensation de spontanéité et de fraîcheur, voire retrouver par le travail de mixage, l'énergie du "live".
On enregistre en général avec un casque, donc dans la bulle de la musique et le son d'un casque est sensiblement différent d'un son naturel, même dans le cas d'une guitare électrique ou une basse. Ajoutez à cela le fait que l'on entend les autres musiciens aussi bien que nous-même. Cela peut facilement dérouter et demande une certaine habitude.

Alors, comment s'y préparer ?

La première chose à faire pour préparer votre enregistrement est de choisir soigneusement les morceaux parmi ceux que vous maîtrisez le mieux, surtout techniquement. Ensuite, une chose est particulièrement importante en studio, en dehors de l'aspect artistique (bien qu'il y contribue) : Le son

Préparer le son

L'ingénieur du son n'est pas un magicien, et si votre son est moche, il ne pourra pas ou très difficilement le rendre beau. Votre son c'est votre voix. Profitez de l'opportunité d'aller en studio pour travailler cet aspect de votre musique.
Evidemment, le son est dépendant du matériel (mais pas seulement). Pour votre séance, essayez de vous faire prêter des instruments de qualité si les vôtres sont défectueux ou de piètre qualité. Renseignez-vous au studio car en général de bons instruments sont à disposition. N'hésitez pas à vous en servir. Même chose pour les pédales d'effets. Les pédales bon marché apportent surtout du souffle, des bruits parasites et sont vite agressives et métalliques. Il vaut mieux ne pas s'en servir, sachant que tous ces effets sont disponibles au studio et de meilleure qualité, en hardware ou en plugs. Les amplis aussi sont très importants, surtout pour la guitare. Il ne s'agit pas d'avoir de gros amplis puissants mais de bons amplis qui sonnent bien. Les lampes sont recommandées. Et les cordes pour les guitares et la basse ! Des cordes en bon état sont indispensables. Que l'instrument soit électrique ou acoustique, le son est très différent en fonction de l'usure des cordes qui perdent de leur mordant et de leur éclat en vieillissant. En fait, elles s'oxydent et perdent des aigus, du grain et de l'attaque. Cela arrive plus ou moins rapidement selon le type de cordes et la fréquence à laquelle vous jouez. Beaucoup de musiciens surtout bassistes préfèrent les vieilles cordes qui selon eux leur procurent plus de rondeur et apportent un côté vintage, ancien, assez séduisant. Mais sachez qu'en studio il est plus intéressant d'avoir un son plus riche en fréquences que plus pauvre, quitte à équaliser après coup pour retrouver la rondeur de cordes usagées. Les aigus clinquants non mais le grain oui !
Même chose pour les peaux de batterie. En studio, un jeu de peaux neuves fait merveille, elles chantent plus, claquent mieux, ont plus de grain. Eliminez également systématiquement tous les bruits parasites (couinements dans la batterie (de l'huile), ronflette ou buzz dans l'ampli (mauvaise terre, brancher ailleurs, changer les cables), craquements de jacks (changer), etc)..

Je disais plus haut que le son n'est pas seulement dépendant du matériel. En effet, un bassiste par exemple a le choix de jouer aux doigts, en slap, au pouce ou au médiator. Le son du slap ou du médiator sera beaucoup plus claquant. Même chose pour un guitariste, qui peut jouer aux doigts ou au médiator. Un batteur a le choix entre plusieurs sortes de baguettes ou balais. Il peut aussi frapper plus ou moins fort. c'est ce que l'on appelle le toucher et il joue un grand rôle dans la qualité du son. Chaque musicien a son propre toucher qu'il développe en fonction de ses besoins et de son travail personnel sur l'instrument. Travaillez votre son au maximum.

En ce qui concerne l'aspect technique et l'exécution :

Il est évident qu'une bonne exécution technique des morceaux mettra en valeur l'aspect artistique mais il faut d'abord savoir de quoi on parle et sur quoi est basé le morceau :

Quelques indications de style :

Les rock, punk-rock et même souvent pop-rock sont basés sur l'énergie et l'urgence. Là, les guitares sont reines et leur son est à soigner particulièrement, beaucoup plus que la technique instrumentale. Mais le côté énergie sera donné surtout par le batteur qui devra jouer de façon simple avec beaucoup de conviction et d'entrain. Attention au tempo !

Le Métal et autres Hard rock sont des styles beaucoup plus codifiés, plus techniques. Attention à la mise en place ! le son est également très important.

La pop, la chanson se travaillent plus dans les nuances, les enchaînements de parties et les couleurs de son. Priorité donc aux nuances et au relief. Valable aussi pour le chanteur.

Pour le reste, les musiques à "groove" et dansantes, funk, reggae, hiphop et autres, cela se jouera surtout sur la régularité et la cohésion de la rythmique basse-batterie-guitares-clavier ainsi que la conviction et l'implication du chanteur.

Dans tous les cas, le son est très important et chaque style a son "son".

Pistes de travail :

Avant d'arriver au studio, essayez d'abord d'éliminer tout doute quand à savoir quoi jouer exactement, et ceci pour chaque instrumentiste, de façon à ce qu'il n'y ait aucune hésitation au moment de l'enregistrement. Chacun doit posséder sa partie sur le bout des doigts et pouvoir jouer le morceau en entier tout seul sans erreur (avec les repères de chant tout de même). Le mieux est même de pouvoir disposer de plusieurs versions légèrement différentes d'un même morceau, en somme d'être capable de broder, d'interpréter et de varier un peu autour de sa partie sans en perdre le fil. C'est un travail personnel de mémorisation et d'exploration. Ne pas hésiter à travailler seul avec un métronome pour s'assurer du tempo régulier.
Ensuite, en répétition, vérifiez que tout cela fonctionne ensemble (basse-batterie et accompagnements). Priorité : cohésion, fluidité, précision. Il arrive fréquemment que certains breaks ou passages à l'unison ne soient pas ensemble car chacun a sa propre conception du rythme et du break. Cela vient en général d'une écoute trop superficielle et d'une mauvaise mémorisation. Mettez-vous d'accord dans le détail des notes et du placement. Au besoin, écrivez sur un tableau.
Enregistrez la répétition avec un enregistreur de poche ou un téléphone portable et réécoutez. Vous verrez mieux les défauts. Attention aussi au son d'ensemble.
En ce qui concerne les guitares, l'accordage est primordial dans le son. Servez-vous d'un accordeur électronique. Le réglage de la batterie est aussi très important.

En conclusion

Pour vous préparer au studio, travaillez votre instrument à la maison, avec un casque pour vous habituer, et avec un métronome aussi. En répétition, arrangez-vous pour faire une bonne balance, c'est à dire que vous devez entendre clairement tous les instruments qui jouent. Soignez le son. Ne surchargez pas les arrangements.

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En musique, le plus important c'est l'écoute. Ecoutez, écoutez et écoutez encore. Vous pensez avoir compris, réécoutez pour être sûr. Vous êtes sûr ? Ecoutez le son, comment il attaque, comment il meurt, comment il évolue dans le temps, et puis le silence qui suit. Ecoutez le silence ! C'est la clé de la musique, du groove, du placement, de l'émotion. Ecoutez votre chanteur, chaque phrase, chaque mot, chaque silence, dans le détail. Ecoutez la basse, chaque note, chaque durée. même chose pour la guitare, la batterie, et essayez de savoir si ce qui est joué est important ou pas, essayez de savoir ce qui peut être amélioré, ce qui est en trop. C'est la qualité de votre écoute qui fera de vous un musicien de qualité.

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Pour plus de détails sur le déroulement de la séance d'enregistrement elle-même, consultez le guide "Studio numérique et home studio ; le matériel, les techniques de prise de son et de mixage"